La imatge d'una família. La família Savage

FITXA TÈCNICA

Título V.O.: The Savages
Año de producción: 2007
Distribuidora: Fox Searchlight Pictures
Género: Drama
Clasificación: No recomendado menores de 13 años
Estreno: 4 de abril de 2008
Director: Tamara Jenkins
Guión: Tamara Jenkins
Música: Stephen Trask
Fotografía: W. Mott Hupfel III
Intérpretes: Philip Bosco (Lenny Savage), Peter Friedman (Larry), Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), Cara Seymour (Kasia), Laura Linney (Wendy Savage), David Zayas (Eduardo), Gbenga Akinnagbe (Jimmy)

La MEVA CRÍTICA

Allò que va inspirar a la directora a escriure el guió de la pel·lícula va ser simplement una observació de la realitat i una vivència en primera persona. Ho he llegit a la fitxa que vaig agafar per fer aquesta crítica. La directora va veure com ingressaven en una residència de gent gran a la seva àvia i com el seu pare patia demència. I és que ja ho diuen, fins que no et toca a tu, o de ben a prop costa d’entendre.

Ella ha volgut mostrar aquesta vivència personal als ulls dels espectadors que lliurement escullin veure-la. La meva elecció va ser voluntària i la vaig fer a propòsit d’aquesta assignatura. No tenia cap referent sobre aquest film i penso que de vegades és el millor per no contaminar-se, en el bon sentit de la paraula.

En una línia definiria el tema de la pel·lícula de la següent manera: Un exemple de la llunyana mort i un elogi a la vida. Vida i mort són dos paraules totalment antagòniques però que l’una sense l’altra no es poden entendre. Vivim per morir o morim sense viure?

L’argument del film es desenvolupa a través d’aquesta línia temàtica que es suporta amb uns personatges, un espai, un lloc, un temps i uns detalls que no cal passar per alt.

Els personatges que protagonitzen la pel·lícula són principalment tres: dos germans i un pare, un triangle familiar. La parella de germans està representada per una dona i un home els quals queden perfilats com a persones humanes, intel·lectuals i amb la representació d’una sèrie de problemes que són un punt de la realitat del nostre dia a dia. Són humanes perquè quan els truquen per fer-los saber l’estat del seu pare hi acudeixen sense dubtar-ho. Cal tenir en compte que la figura del pare respecte els fills no es presenta de forma molt positiva i marcada ja que el progenitor no havia estat un pare exemplar. Són intel·lectuals perquè els dos tenen una esfera literària a través de les seves professions que els aïlla, els escuda de la realitat i els configura un espai de refugi. Ella, la Wendy Savage, és una autora de teatre que lluita per tirar endavant sol·licitant beques, robant material d’oficina i quedant amb el seu veí casat. Ell, Jon Savage, és un inquiet professor de facultat que escriu llibres sobre mil i una coses, i cap de resultant. La representació dels problemes que es conflueix en els dos personatges és la dificultat de trobar el sentit de la vida. Qui no ha estat perdut en algun moment donat de la seva vida? Ells dos al llarg del film ho estan, i no és fins al final que decideixen posar fil a l’agulla i fer realment allò que anhelen. Ho decideixen fer perquè el seu pare s’ha mort i veuen de ben a prop que la vida és limitada i que cal viure-la de la manera que a nosaltres ens resulti profitosa. El drama no està en el desenllaç si no en com si arriba.

L’espai i el lloc en el qual queden representades les escenes és Arizona, un estat del sud-oest dels Estats Units. La paradoxa de la temàtica del film queda visualitzada des del lloc d’origen, ja que “normalment” l’univers cinematogràfic que ens arriba sota el segell nord-americà no plasma la duresa de la vida.

Els detalls que no calen passar per alt, possiblement són més d’un. Jo em quedo amb un. En una escena, els dos germans estan discutint dins del cotxe amb un to elevat sobre les vegades que la Wendy ha enviat amb motius diferents la sol·licitud de la beca i els cops que se li ha denegat. El seu germà només li diu la veritat i la repta a què es pregunti per què li passa. No ho fa de la millor forma, ni amb el millor to, però de vegades amb els germans i amb aquelles persones que ens importen perdem els bons modals. En aquest moment el pare decideix no escoltar i apagar l’aparell auditiu que l’ajuda a sentir. Aquesta escena em va agradar per dos motius: per allò que m’agrada i per allò que no m’agrada. El que no m’agrada és que el pare és un despreocupat, però no sorprèn pel seu comportament amb els fills al llarg del film, i el que m’agrada és que d’una manera real ell decideix no escoltar i ho aconsegueix. A mi, em va convidar a la reflexió de què sempre sentim paraules, però només escoltem significats.

La valoració personal que en faig d’aquesta pel·lícula és força positiva. Les paraules i les imatges representades responen a un doble motiu: la concentració de carga emotiva i una mostra de la realitat. Tot i ser una successió d’escenes en les quals no passa res trepidant, el film segueix una línia uniforme que li atorga una gran interpretació que no s’escapa del nostre coneixement.

Elena Triñaque Gilart

 

 

Los Fragmentos de Tracey

 

Director: Bruce McDonald

Intérpretes: Ellen Page, Ari Cohen, Tara Nicodemo

Productora: Shadow Shows

Duración: 77 min

Tracey es una niña de 15 años con todos los problemas que tienen las niñas de 15 años. No aguanta a sus padres, los compañeros del colegio se burlan de ella por no haber desarrollado pechos y se siente una incomprendida en un mundo que ni ella entiende. Sus conflictos interiores aumentan cuando desaparece su hermano pequeño. Los fragmentos de Tracey narra esa búsqueda fraternal entrelazando presente y futuro de la vida de una adolescente.

A priori, este argumento parece falto de originalidad ya que, películas sobre los problemas adolescentes, existen a patadas. Lo que hace de este largometraje un digno objeto de crítica es la imborrable experiencia que Bruce McDonald (haciendo uso de los fragmentos a los que se refiere el título) regala al espectador mediante una postproducción grandiosa.

Este año se ha hablado mucho sobre la polivisión, sobre todo después de que La Soledad se alzara con el Goya a la mejor película de 2007. Pues bien, si para algunos la polivisión resultó algo novedoso y gratificante, Los Fragmentos de Tracey o, mejor dicho, su director, nos ofrece la “macropolivisión”. Desde el primer segundo la pantalla se divide en varias parcelas audiovisuales, a veces de la misma escena, del mismo plano, y otras con momentos espaciotemporales totalmente incongruentes. No siguen ningún patrón ni lógica aparente aunque, me atrevo a decir, que Bruce McDonald sabía perfectamente a qué recuadro se dirigirían los ojos de los espectadores en cada momento.

Según la teoría baziniana, el montaje y los planos cortos privan al espectador de libertad ya que, en principio, se ven obligados a prestar atención a lo que el realizador quiere. Pues bien, el director de Los Fragmentos de Tracey da un giro a esa teoría y, filmando planos cortos y planos secuencia, ofrece la oportunidad de dirigir la atención a una infinidad de viñetas cinematográficas que él mismo ha diseñado. Eso es la máxima expresión de la libertad y la democracia fílmica. Si normalmente sólo podemos ver un plano, Bruce McDonald nos enseña hasta ocho.

Cabe destacar la introspección personal del personaje que interpreta Ellen Page. Con sus acertados diálogos y pensamientos transmite perfectamente las sensaciones juveniles de Tracey. La película sigue una clara corriente psicologizadora, donde todo el proceso de la quinceañera es interno. El ritmo frenético del cambio de recuadros ayuda a crear un sentimiento de angustia similar al que vive Tracey al no encontrar a su hermano.

La actuación de la ascendente actriz americana, Ellen Page, deja un tanto que desear. Puede que se deba a que repite un papel de adolescente con un carácter fuerte, igual que en las películas Hard Candy y Juno. Debido a sus grandes actuaciones en dichas películas, en Los Fragmentos de Tracey se le ha debido exigir un poco más. Sin embargo, se debe romper una lanza a su favor si se tiene en cuenta que el rodaje de la película sólo duró nueve días.

En definitiva, el largometraje narra avivadamente una historia que ni es nueva ni sorprende, pero el montaje posterior, que tardó en realizarse nueve meses, es toda una experiencia. Cabe advertir que se tiene que acudir al cine predispuesto a ver un formato audiovisual diferente. El constante cambio de atención a los diferentes espacios puede llegar a cansar si no se mantiene una mentalidad abierta.

 

Gorka Ortiz de Zárate Onaindia

“Tú dispara que es lo importante”

Deseo

Exposición de fotografía de Juan Manuel Díaz Burgos

y visita guiada por el propio autor.

Lugar: Centre de l’Imatge de Reus

Que a estas alturas de “revolución tecnológica” se tarde más de cinco horas en pensar en algo relacionado con el mundo digital asombra. Si ocurre mientras participas en una jornada dedicada al reportaje fotográfico, asombra todavía más. Pero todavía existen algunos profesionales románticos que siguen citando el “grano” del acabado de una foto cuando se refieren al pixelado moderno. Son enamorados de su profesión que se dejan llevar por el ritmo que marca su propia pasión, la fotografía.

Hablar de términos tecnológicos ya no suena a revolucionario. Que uno de los expertos más respetados del mundillo continúe ignorando la paranoia tecnológica y prescinda, en cierta medida, de la técnica, eso sí es revolucionario. Pero Juan Manuel Díaz Burgos (Cartagena, 1951), no repudia ni lo uno ni lo otro, simplemente obvia su existencia y sólo recurre a ambas, técnica y tecnología, cuando realmente lo cree necesario.

En el Centre de la Imatge Mas Iglesias de Reus se exponen medio centenar de instantáneas tomadas en La Havana, englobadas en un reportaje que el autor ha bautizado con el título de Deseo. Efectivamente, con un pequeño paseo por la sala será imposible que el espectador salga decepcionado. Pero no será la técnica lo que nos deslumbre. Más importante que todo eso, es el propio objeto fotografiado: la pasión del deseo; el deseo de la pasión. Instantáneas que resumen en esa colección el sentimiento que a ningún ser humano deja indiferente.

Díaz Burgos fue testigo, durante varios viajes que realizó a la capital Cubana, de todos esos momentos tan sugerentes. Miradas promiscuas, abrazos apasionados, secuencias de piropeos inacabables, escenas de ligoteo, besos furtivos, deseos carnales… retratos cazados sin alterar el escenario. “El profesional del reportaje nunca es dueño y señor de la situación”, afirma el autor, y por eso se acerca disimuladamente hasta el objeto, consiguiendo pasar desapercibido la mayoría de veces. Un auténtico ladrón de sentimientos que reduce su técnica a los siguientes pasos: selecciona un objetivo y no lo cambia durante el recorrido; persigue su presa hasta que se pone a tiro; dispara su cámara con discreción, sin mirar por el visor y con su máquina camuflada entre sus manos a la altura de su pecho. La única premisa: acercarse a los protagonistas de la acción lo máximo posible, sin alterar ni manipular el escenario. La única técnica: “disparar y disparar, que eso es lo importante”.

Quizás no se trate de arte; quizás simplemente se trate de captar el instante. El resultado es una compilación de fotografías que tratan un tema manido como es el desenfreno cubano. Pero Díaz Burgos lo hace de manera original porque es extremadamente natural. Un voyeurismo puro y duro. El resultado es una serie de imágenes en blanco y negro, algunas desenfocadas, otras mal encuadradas, pero sin caer en el tópico del beso fácil, sin alejarse nunca de su propósito: no alterar el paisaje y dejar que los propios actores, ellos mismos se retraten.

Este profesional tampoco rechaza uno de los principales objetivos del reporterismo: contar una historia. Algunas escenas están compuestas por una fotografía principal acompañada por una serie de fotogramas más pequeñas que completan la escena sensual. La mirada del espectador recreará, pues, un relato erótico haciendo caso a sus instintos más voyeuristas.

Pero mantener sus ojos lejos del visor le hace ser demasiado espontáneo, personal, impulsivo, a veces vulgar. Su mirada es excesivamente parcial para que el reportaje fotográfico sea del agrado de todo su público. No siendo puro arte, acercándose al retrato social, se olvida de responder a una necesidad del reporterismo gráfico: convertirse en un testigo universal. Y su disparo es tan masculino que el género femenino se cansará de mirar, de contemplar la escena siempre desde la misma perspectiva, desde el idéntico deseo sexual. Los hombres retratados en pleno apogeo sexual; las muchachas mostrando sus atributos físicos y siendo cautivadas.

Quizás la selección sea el reflejo de la sociedad Cubana. Pero habrá miradas que se sientan abrumadas y confundan el ligoteo con el doble acoso que se identifica en la exposición: por un lado la del propio fotógrafo que se harta de perseguir “auténticos monumentos”, con sus traseros y canalillos. Y por otra la del hombre impulsivo que en ciertas ocasiones se convierte de inocente seductor a puro a acosador.

Julen Orbegozo

 

Iron Man

 

El héroe que pudo cambiar nuestra visión de los EEUU

 

"Si existiera la paz, yo no tendría trabajo". Con esa declaración de intenciones se nos presenta Tony Stark, genio de la ingeniería, vividor y mujeriego, abastecedor mundial de armamento de alta tecnología. En la enésima adaptación cinematográfica de uno de los superhéroes de la Marvel, el Iron Man que dirige John Favreau, hay algo que llama la atención desde un principio: el protagonista, Stark, es un personaje con unos principios éticos discutibles, un señor de la guerra arrogante y prepotente, que sin embargo se hace simpático y atractivo. Es la personificación misma de unos Estados Unidos vistos desde el lejano teleobjetivo europeo. Y es desde ese punto de vista desde donde una segunda lectura es posible. El planteamiento inicial es claro: "En los Estados Unidos las cosas se hacen así. Admitimos que tal vez no sea la mejor forma, pero así son las cosas". El espectador europeo agradece la sinceridad de la propuesta, hasta que se da cuenta de que se la están metiendo doblada.

 

Stark, interpretado de forma excelente por Robert Downey Jr. (el papel le viene como un guante) es secuestrado por unos terroristas mientras hace una demostración del último de sus misiles, llamado Jericó, a militares estadounidenses. Secuestro que curiosamente se lleva a cabo utilizando armas con el sello de Stark Industries. Aunque el guión sitúe a esos terroristas en un país ficticio, la alusión clara y directa a Afghanistán es más que evidente. Sin embargo, lo que en cualquier otra película sería motivo de indignación para los espectadores del viejo continente, en este caso es toda una revelación, toda una declaración de culpabilidad: "Ellos siguen siendo los malos, pero somos nosotros los que los armamos hasta los dientes". Este planteamiento inicial, más tras el 11-S, es un golpe difícil de encajar para una sociedad que, aunque en los últimos tiempos parece estar dando un cambio significativo en cuanto a este tema se refiere, todavía se muestra reacia a cargarse sobre sus espaldas cadáveres de niños que "nacen terroristas".

 

Pero a medida que va avanzando la trama va apareciendo el plumero. Durante el cautiverio al que es sometido Stark junto con el Doctor Yinsen, quien le ha salvado la vida al implantarle en el pecho una corriente magnética que impide que la metralla incrustada en su cuerpo llegue a su corazón, éste se va dando cuenta de que su trabajo en pos de la seguridad de sus compatriotas sirve para que gente inocente sea asesinada indiscriminadamente. A partir de ahí, la ilusión de una autocrítica moral se desvanece, y es que el antihéroe sin escrúpulos se convierte en un moñas que decide hacer el bien, en el héroe por antonomasia. Y lo peor está por llegar, teniendo en cuenta que la crítica planteada en un principio se va convirtiendo cada minuto que pasa en la usual moraleja de la manzana podrida. Resulta que Obadiah Stane (Jeff Bridges), mentor de Stark tras la muerte del padre de éste, está en realidad detrás del secuestro, con la única intención de hacerse con el control de la empresa y establecer lazos comerciales con terroristas. Así, toda la responsabilidad moral de la carrera armamentística recae en la manzana podrida de una sociedad modelo, que en la obligada batalla final, Iron Man-Stark se encarga de hacerle rendir cuentas.

 

Una vez hecha esta reflexión, cabe destacar que en materia de entretenimiento la película de Favreau cumple con las expectativas airosamente. A ello contribuye de manera decisiva el trabajo de Downey Jr. en la piel de Tony Stark. Ningún otro actor podría ser más adecuado para el papel. Sus devaneos con las drogas y las constantes visitas a la cárcel, hacen que la identificación entre el actor y el personaje sea un hecho nada más pronunciar su primer discurso. Además, el toque cómico que Downey Jr. imprime al personaje sirve de perfecta excusa para tapar las deficiencias de un guión demasiado corto (por cuestiones de metraje) para todo lo que se quiere contar. Y es que tal y como sucede en muchas otras películas de superhéroes con proyección de franquicia, explicar en condiciones la evolución del personaje hasta que se convierta en superhéroe lleva su tiempo. La parte más interesante, y divertida, es aquella en la que Stark, recluido en su mansión, va perfeccionando el traje que le ha servido para huir de los terroristas. Las pruebas de vuelo y sobretodo, la relación con su mayordomo-robot, hacen que la sonrisa del espectador haga acto de presencia en repetidas ocasiones.

 

En cuanto al resto del reparto, parece imprescindible mencionar el trabajo de un irreconocible Jeff Bridges, que con su mera presencia física llega a robar protagonismo por momentos al propio Downey Jr, aunque también es verdad que durante la última parte en la que el personaje se pasa al lado oscuro, se echa de menos un poco más de mala leche. Y también subrayaría la aportación de Gwyneth Paltrow en un papel que no permite muchos lucimientos pero que la actriz norteamericana sabe dotar de matices interesantes, sobretodo, a la hora de jugar a la ambivalencia de mujer recatada pero de una sensualidad extrema. El cuarto gran nombre del reparto es el de Terrence Howard en el papel del piloto de la armada James Rhodes, quien no pasa de una actuación comedida. Es de esperar que su personaje evolucione lo debido en la secuela, en la que presumiblemente se convierta en el aliado en batalla de Iron Man, War Machine.

 

Por último, no quisiera acabar sin mencionar el excelente trabajo de diseño de producción. El mundo tecnológico que rodea a Stark está cuidado al detalle y se hace creíble dentro de la inverosimilitud de la historia. La naturalidad con la que hacen acto de presencia todos los artilujios dentro de la historia, sin que se les dé una importancia añadida, hace que el espectador no pierda el tiempo en pararse a estudiar la improbable existencia de tal tecnología. Al mismo tiempo, las escenas de acción una vez Iron Man hace acto de presencia, y sobretodo, las de vuelo, son exquisitas debido a la plasticidad del traje; un gran trabajo de diseño.

 

Aitor Abaroa

El Festival REC08 i Pas a nivell

Dels dies 22 al 27 d’abril, és va celebrar a la ciutat de Tarragona, el festival del cinema REC08. Durant aquest dies, és van realitzar tota una sèrie d’activitats variades vinculades al món del audiovisual.

En aquesta vuitena edició, és van plantejar una sèrie de qüestions que servirien com a  punt de partida del festival; fins on s’ha arribat en el que es prometia com revolució digital?; Quin és el potencial educatiu del cinema? Cap a quin futur camina l’audiovisual? Totes aquestes preguntes van ser respostes durant el festival de diferent maneres, però va ser en els Seminaris organitzats on van assistir crítics, creadors i experts en cinema, on es va parlar d’aquest nou audiovisual digital. Entre els assistents és pot destacar la presència de Felipe G.Gil, creador audiovisual i organitzador del festival Sevillà Zemos.98 que ens va parlar del nou audiovisual a l’era digital, i de Hector Milla, creador de Balzac.tv que va impartir una xerrada sobre la distribució digital: Internet i sales. També hi van assistir Pedro Rivero, director de llargmetratge d’animació La Crisis Carnívora que ens va introduir a la temàtica de les noves fronteres de l’animació i Xavi Caparrós, director creatiu de l’agència de publicitat 2.0 expert en Internet, que ens va fer referència en la influència del digital al cinema i a la publicitat.

També va ser organitzada una secció que donava lloc als curtmetratges. És van presentar tant narracions arriscades com d’altres de més convencionals, però ningun d’ells va deixar indiferents als espectadors. Van ser presentats en diferents formats participants: ficció, videocreació i documental. En l’apartat de ficció m’agradaria donar més rellevància els curts Present Perfect, de Mikel Rueda i 18 segundos, de Bruno Zacharías i Miguel López. En videocreació; Aprop, de Aitor Echevaria, i FlashBack al revés,  de Chema García Iabarra, i en documental El hombre feliz, de Luciana Gil, i Héroes, de Ángel Loza.

La nit de dimarts, va ser dedicada a la nit Bizarra on es van projectar varis curmetratges Bizarros i on van participar varis discjòqueis, la resta de la nits, van ser protagonitzades per RECLANUÍ; un espai reservat per l’experimentació dels nous llenguatges creatius.

Darrerament voldria fer menció la secció d’òpera Prima, que es va dur a terme durant totes les tardes i les nits del festival, és en aquest espai del certamen on es van presentar varies peces d’òpera prima de diferents directors de panorama internacional. També dir que el festival REC és l’únic esdeveniment especialitzat en operes primes d’aquest país. Dona l’oportunitat a tothom que ho desitgi tindre el privilegi de conèixer quin serà el panorama cinematogràfic en un futur no gaire llunyà.

M’agradaria destacar l’opera prima del director Pere Vilà i Barceló, Pas a nivell.  És va presentar al festival el dijous dia 24, i van assistir el director i el protagonista, Marc Homs. Van presentar la pel·lícula, i van afirmar que es tractava d’una obra d’autor.

El film d’aquest director gironí narra la història d’un jove que acaba de finalitzar els seus estudis a la universitat i no sap com afrontar la seva vida. Sense cap somni ni cap motivació concreta, la frustració i la empatia que sent en aquest moment el fan endinsar en una situació d’enorme tristesa que no el deixa tirar endavant. És troba en un punt mort on sembla que no hi ha res interessant.

En aquesta pel·lícula, Vilà reivindica les etapes de la vida on tota persona en algun moment s’ha trobat, en que un es troba perdut i no sap cap on tirar. “Anar a la deriva”  és del què tracta Pas a nivell, un estat psicològic que senten  moltes vegades persones que no saben el que volen ni el que fer.

La pel·lícula, és lenta, molt tranquil·la, i únicament gira al voltant del jove protagonista i els seus sentiments. Ens mostra els seus canvis psicològics i d’ànim a través de tot el que li succeeix, encara que des d’una òptica externa aquest fet no sigui transcendental. En la pel·lícula no hi ha casi diàleg, la gran majoria de les seqüències ens mostren espais buits on únicament hi figura la presència del noi, que en moltes de les vegades no està fent res. Hi ha plans molt lents, com per exemple el de la mort de la seva àvia que dura 8 minuts. Les seqüències són banals, sense fets molt importants però que van construint la identitat, la psicologia del personatge i els canvis que s’estan efectuant a la seva vida. 

Pas a nivell va estar rodada en la més estricta independència i en un entorn totalment familiar; el seu pare i la seva germana van ser els productors, la seva mare  va estar l’encarregada del attrezzo i del vestuari, i la seva novia estava al front de la gestió i la postproducció.

Laia Navarro

88 minutos Jack, tic-tac

88 minutos Jack, tic-tac

Título original: 88 minutes

Director: Jon Avnet

País: EUA

Duración: 105 minutos

Reparto: Al Pacino, Alicia Witt, Amy Brenneman, Leelee Sobieski, Benjamin McKenzie, Deborah Kara Unger, William Forsythe, Neal McDonough, Stephen Moyer, Michael Eklund, Michal Yannai, Brendan Fletcher, Victoria Tennant.

Productora: Universal Pictures

 

 

Jack Gramm (Al Pacino), es un psiquiatra forense estrella del FBI, cuyo criterio es decisivo en muchas ocasiones para encerrar a los más peligrosos criminales. Un día recibe una llamada advirtiéndole que le quedan 88 minutos de vida; el principal sospechoso parece ser Jon Foster (Neal McDonough) el psicópata que Jack envió al corredor de la muerte, pero esta recluido…

Estamos ante un psicothriller interesante, en el que Al Pacino parece ser el único reclamo de este film, pero que a mi me ha tenido enganchada hasta el final. Cualquiera de los protagonistas puede ser el asesino, incluso algunos de sus alumnos, ya que Jack, además de ser forense es también profesor de universidad, y eso esta bien, porque ir a ver una película de intriga y que en el primer cuarto de hora ya sepas quien es el asesino te hace perder todas las ganas de seguir viéndola, te rompe las expectativas. Desde que recibe la llamada la película transcurre en tiempo real, los 88 minutos que le quedan son los que duran el film a partir de entonces de tal manera que esto le da un ritmo trepidante en esa cuenta atrás, los minutos se acaban y conforme avanza la película todos parecen ser sospechosos. La historia cumple su función, la de crear suspense e intriga en el espectador, aunque si bien es cierto que al final se rompe con ese final forzado. En ningún momento sabemos ni sabremos el porque de los asesinatos, que es lo que lleva a Jon Foster a matar. Asesinar por el placer de matar. No podemos ni nos dejan entrar en ningún momento en su mente, no tiene un porque, no tiene nada.

Conforme la película va avanzando vamos viendo en ciertas ocasiones flashbacks que tiene el protagonista y que hacen referencia a una niña, al principio no sabemos muy bien porque tiene esos recuerdos, ha que van ligados, y sobretodo, ¿porque 88 minutos?. Nos dejan con la intriga hasta bien avanzada la película, y eso es un punto a favor ya que te hace estar atento y con ganas de que avance, llegando a la mitad de la película para saber el significado de 88 minutos y de los flashbacks. Es allí cuando la película se intensifica en cuanto al ritmo de la narración y la sucesión de los esdevenimientos. Lo que no me acabo de quedar claro, fue que en un momento de la película el asesino le dice que sabe que en una ocasión falsifico pruebas en un juicio, pero no queda del todo claro en que juicio fue, si en el de Jon Foster o en alguno anterior, aunque tampoco debía de ser muy relevante, ya que no se incide de manera directa en el resto del film. Pero es algo que me quedo ahí pendiente. Durante toda la película nos van dando pequeños indicios que te hacen suponer que ya sabes quien es el asesino, pero que se desmontan conforme avanza la película y te hacen ver que puede que sea otro y así sucesivamente. También empiezas a dudar de que Jack sea realmente sincero, parece tener cosas que esconder, como las pruebas falsificadas que ya he comentado anteriormente, y eso en algunas ocasiones hace dudar de su credibilidad, de si realmente no se equivoco al mandar al asesino al corredor de la muerte. Me sorprendió el final, no por la manera de resolverlo, sino por quien resulto ser la asesina, una joven estudiante de las clases de Jack, que apenas tuvo presencia destacable a lo largo del film.

Algo que me gusto, es que como suele pasar en este tipo de películas, en esta ocasión el protagonista no es un modelo ha seguir, ya que se le supone un mujeriego, y como ya he dicho antes queda en alguna ocasión como un falsificador de pruebas.

Los escenarios en los que se desarrolla la acción son la ciudad de Nueva Jersey, y pegan muy bien con la atmosfera que rodea el argumento, una ciudad lluviosa, gris, triste como la historia del personaje y la historia que envuelve a los demás protagonistas, porque conforme avanza el film nos enteramos que ninguno de ellos lo ha tenido fácil, como Jack, el cual tuvo que huir de Nueva York cuando un psicópata asesino a su hermana pequeña en 88 minutos, de ahí que al protagonista le den 88 minutos de vida, o la historia de su ayudante, una chica que tuvo que dejar a su novio obsesivo  y hacerse con una pistola para protegerse.

Lo mejor, los dos últimos minutos, cuando Jack habla por teléfono con el asesino, ese solo que se pega Al Pacino, fue el mejor final.

Esther Huguet

Discipline

Janet Jackson: Discipline (2008)
Island Def Jam

Me gustan los discos que tienen muchas canciones. Por eso "Discipline" de Janet Jackson parece una elección buena: hay enteramente 22 canciones. Es una deceptión para advertir que casi mitad de ellos son los interludes que también podrían haber dejado fuera de disco.

Las otras diez canciones tienen toda la variedad de los sabores sexuales diferentes que se puede imaginar. Janet de 41 años parece confiarse del mismo concepto que las cantantes de mitad de su edad se confian. Alguien debe haber dicho a Janet que ser un nymfo no significa ser "hip" y que decir 20 maneras diferentes "hacerlo" no llena realmente las requisitos que ese disco del comeback debe hacer. Usted podría haber esperado algo más madurara de una señora que ha estado en el negocio más de 25 años.

Se puede llamar "Discipline" un disco del comeback para la razón porqué después del escándalo de pezón el exíto de Janet no ha sido lo que era porqué "Damita Jo" (2004) fue una pequeño fracaso comercial. Para este disco ella cambió su personal entero y contrató a productores como Jermaine Dupri (también su novio), Ne-Yo y Stargate. Para algunos de partes los productores han hecho un trabajo bueno. Ellos han agregado los sonidos electrónicos hechos en el ordenador y cuando funcionan, funcionan muy bien como en el single primera "Feedback". Si se puede ignorar la constante "sexy sexy" repitiendo, la canción es uno de los mejores en el disco. Los sonidos electrónicos tienen sus problemas también, porque a veces la voz de Janet parece ahogarse en el centro.

El cuchicheo de Janet siempre ha funcionado y todavía lo hace. Está en su mejor en "LUV" y una real "shake that booty" canción "So much betta", pero en "Discipline" llega a ser demasiado en medio de la canción. Janet todavía puede hacer a personas bailan y lo demuestra con canción como "The 1" (con Missy Elliot) y" Rollercoaster" que mezcla bongoes con la voz fragil de Janet.

En total, "Discipline" es el disco diversa. Proporciona pop con cual se puede bailar, r´n b rítmica y las canciones de amor lentas y húmedas pero todavía deja el sentimiento un poco repetitivo.

I am legend

 

I am legend (2007)

Director: Francis Lawrence

Actores: Will Smith, Alice Braga, Charlie Tahan

 

Sólo en la manzana grande

Uno de las temas más utilizadas en películas de Hollywood es indudablemente desastres de la naturaleza y la destrucción de la raza humana. I am legend no es una excepción; refleja las amenazas las personas que viven en este siglo tienen que encarar: pandemias y pestilencias. La otra "amenaza" del mundo contemporáneo es la soledad, que es el otro principal tema de la película. 

Robert Neville jugado por Will Smith es un único sobreviviente de un virus manipulado de sarampión que ha matado a la mayor parte de la población del mundo. Los que han sobrevivido, se han vuelto los monstruos medio-humanos agresivos que evitan la luz del sol. Estos monstruos son el problema más grande de la película.  Parecen como hizo por ordenador, y hemos visto estas criaturas muchos veces antes en por ejemplo "28 days later". El director Francis Lawrence podría haber hecho una decisión sabia y permitió que la mente de un espectador haga la artimaña y no muestre las criaturas amarillas pálidas bastante tan a menudo. 

Por suerte los monstruos no son el centro de esta película; hay algunos otros temas interesantes, de cuáles soledad es el más intrigando. Robert Neville está solo en Nueva York. Cada día en la mediodía él va al puerto para enviar un mensaje por la radio, tratando de encontrar otras personas. La soledad influe su psique también: Además de maniquíes, él sólo habla con su perro, Sam, su socio fiel. La manera que la relación entre un hombre y un perro es mostrada es un estimulante de la película: es la luz del sol en la escena tan deprimente y es probablemente la único invención original que ellos tienen en esta película. 

Will Smith no es la mejor elección para el papel de Neville. El no es actor suficiente fuerte para interpretar las emociones de un hombre solitaria, aunque un espectador pueda identificar a su situación de vez en cuando. Cazando y las escenas luchadoras recuerdan de trabajo más temprano de Smith: Independence Day y Men in Black. Pero esta vez el perro no habla. 

Esta película lo tiene momentos buenos: el principio, cuando animales salvajes corren de aquí para allá las calles de Nueva York, promete mucho de película. La película no está llena de los efectos especiales - aunque hay algúnos muy buenos - pero se ha dado a la depresión y soledad cuarto a crecer y desarrollar. Es una lástima no dura hasta el fin, americanismo viene por el camino. La conclusión de la película está como la Passion of the Christ: Neville llega a ser un elegido del Dio, la bondad gana la mal y la humanidad vive felizmente desde entonces. La conclusión garantiza el sueño bueno para espectadores pero no trae nada nuevo. 

Anna-Maija Naakka