Fa dies que no miro la tele(visió)

Els programes, que ara mateix emeten les diferents cadenes de televisió tant públiques com privades i aquells que tenen un èxit televisiu, són prou coneguts per tots nosaltres. Ara us els explico.

En primer lloc, el programa Fama el qual fa temps que acompanya les sobretaules diàries i les nits de diumenge de molts i moltes. En aquest programa, presentat per la popular Paula Vázquez, hi podem veure parelles de nois i noies que ballen i gaudeixen d’una experiència de convivència. Evidentment, allò que valoren els professors és la perfecta execució corporal davant qualsevol melodia musical. Els concursants són diversos i molt plurals. Hi ha hagut de tot: els que tenen més o menys traça, els que ploren per tot, els que se’ls dóna una oportunitat a l’espera que la puguin tenir quan surten, els que... La gràcia del concurs, per dir-ho d’alguna manera, és que, de moment, el programa no té data d’acabament perquè cada cop que els concursants surten, n’entren de nous. No he vist mai el programa més de deu minuts seguits, per això tot el que sé, és perquè la gent en parla, i de vegades, només amb allò que et regala les orelles i amb quatre ullades ja n’hi ha prou. Reconec que tot i no ser del meu gust, el programa funciona molt bé. Estic convençuda que molts i moltes adolescents ballen a l’hora del pati com “els de Fama”.

En segon lloc, Sin tetas no hay paraíso. Una sèrie que, avui dimecres 2 d’abril, finalitza. Aquesta, de veritat, que no l’he vist mai, ni un, ni dos, ni tres minuts. El títol em suggereix una filosofia de vida que conec però que, com que no he viscut, no comparteixo: l’estètica de la felicitat. A qui sí, que he vist és El Duque, el qual és un dels principals personatges de la tira narrativa. Alegra els ulls de moltes fèmines, entre ells, els meus. Les meves amigues i companyes em confessen que només veuen la sèrie per ell. Em fa gràcia, perquè a mi la sèrie no em va seduir com a elles. Quan en parlen, la comenten, jo les escolto i com que no la conec del tot em resulta interessat i divertit veure el seu punt de vista. És com si veges la sèrie a partir del que elles em conten.

En tercer lloc, els càstings d’OT. Això sí, que ho miro mentre sopo. Fa poc que han començat i el que m’ha sorprès d’aquest any és que el Risto estigui com a membre de jurat. L’any passat, ell va ser el gran guanyador del concurs passant per davant de tots aquells que aspiraven a ser els verdaders triomfadors. El català juntament amb la, ja prou vista Noemi, i amb l’excèntric Àngel Llatzer acompanyen les estones del sopar. Avui, quan ho he mirat m’ha resultat curiós el fet que els dos homes del jurat es passegessin entre les multitudinàries cues dels càstings i en funció de no sé ben bé que, escollien aleatòriament incitant els aspirants a cantar o ballar per a després dir-los “Ven con nosotros”. Sabeu que és allò que els feia cridar l’atenció? El vestuari. Unes bambes, unes ulleres, unes arracades, això sí, no unes qualsevol, unes de diferents. Queda molt material dir-ho i llegir-ho però en el petit món en què s’emmarca aquest tipus de gent, la imatge és fonamental. De fet, penso que ho és per a tots nosaltres, també. Quan estàs millor o pitjor, quan vols donar lo millor de tu mateix ho tradueixes en la teva forma de vestir. El programa no sé quan comença, el que està clar és que els càstings mostren una realitat que no cal passar per alt.

Estic repassant els dies de la setmana mentalment per seleccionar algun contingut televisiu més i poder-ne fer la crítica, i la veritat és que ja no en recordo cap més. Pels matins miro durant deu minuts amb la meva tassa de llet i cereals Els matins de TV3 i amb la dosi informativa que enceten i que després completo amb els informatius del migdia, en tinc prou per saber com va el món. Els informatius, per mi, ara mateix, responen a la funció que té la televisió.

El que més trobo a faltar és la sèrie Porca Misèria. M’encantava, si no la podia veure me la gravava. Les històries que la sèrie plasmava durant totes les temporades eren una perfecta identificació amb les persones del carrer. Unes històries que englobaven unes temàtiques, amb humor, comuns a tothom, i això és el que més agrada. Allò que identifica, aquelles imatges que amb la conjugació de veu et plasmen unes experiències viscudes que la teva memòria, sempre silenciosa recorda, o bé aquelles que et presenten uns fets que t’agradaria viure.

També trobo a faltar la rutina televisiva que portava fa un any. Cada dia de la setmana seleccionava una sèrie o un programa per veure i passar una bona estona en funció d’allò que em divertia o em resultava interessant. A dia d’avui puc dir, que no fan res que m’agradi.

Després d’aquests paràgrafs que proven que ara no miro a fons la televisió, tot i que conec i sé de què parla la gent, us invito a fer una reflexió sobre l’estat de la qüestió. La meva conclusió és clara, i per a qui no li sembli bé que s’ho llegeixi dos cops o que s’esperi un temps a entendre-la, perquè al cap i a la fi, el nostre gust varia en funció del moment personal en què ens trobem. Bé, la conclusió és que la poca qualitat d’alguns continguts televisius s’ajusta i reflexa el moment global que tots estem vivint.  Cal una nova manera de fer televisió i cal plasmar uns nous continguts televisius d’aprenentatge que ens facin millors a tots des de casa. 

Elena Triñaque Gilart

el ojo del siglo

En Tarragona,  la sala de exposiciones de la Obra Social “La Caixa”, tiene lugar una gran retrospectiva del fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson.Conocido como “el ojo del siglo”, sus obras son testimonio de la transformación del mundo durante el siglo xx; refleja con gran precisión los movimientos artísticos, políticos y sociales de este siglo pasado. 

La exposición consta de ciento treinta y tres instantáneas realizadas entre los años 1932 i 1979 donde el fotógrafo ha captado des de eventos históricos como la incineración de Gandhi y la coronación de Jordi VI de Inglaterra hasta los que describen con detalles la vida cotidiana 

En sus fotografías son destacados los paisajes urbanos donde Bresson dedico alguno de sus momentos y en donde podemos observar diversos lugares en diferentes épocas, hecho que a los jóvenes de hoy en día nos puede ayudar a entender un poco más la vida para aquel entonces. También hay constancia de retratos de celebridades de la cultura, el arte y la política como Henri Matisse, Truman Capote, Giacometti, Mao Zedony o Marie Cury entre otros. Pero la mayoría de instantáneas son protagonizadas por personas anónimas en el mundo, pero que Henri, con la puesta en escena involuntaria ha conseguido que estos retratos anónimos cojan una fuerza extraordinaria. 

El fotógrafo también paso varias veces por nuestro país, y la muestra incluye unas series de fotografías de las ciudades de Barcelona, Córdova, Madrid, Valencia y Sevilla. Muestra los efectos de la guerra civil española en estas ciudades, donde se refleja la pobreza, la agonía, el caos, la miseria de la dura época que estaba viviendo el país en ese momento.  

Es muy difícil seleccionar las fotografías que más me han gustado, ya que me fascinan todas y más aún la naturalidad que todas ellas reflejan. Es más que admirable la manera que el fotógrafo encontraba la imagen perfecta para transmitir lo que quería. Cierto que son muchos los que se preguntan y afirman que  las fotografías estaban preparadas con anterioridad, pero lo que transmiten la gente de todas aquellas instantáneas no seria lo mismo si fuera todo un montaje. Esto es lo que creo yo, o vamos, lo que prefiero creer.  

Recomiendo totalmente este recorrido por todo el mundo visto des de los ojos de Henri Cartier-Bresson. A parte de las magnificas instantáneas, la exposición esta muy bien organizada, las imágenes están distribuidas por temáticas i/o países y antes de iniciar la visita hay en tu disposición la biografía entera del autor así como varios libros de coleccionista donde se encuentran todas las fotografías no incluidas en la exposición. He echado en falta pero algún rincón donde se reproducieran alguna de las películas dirigidas o producidas por el mismo Bresson.  Quizás otra vez.    

Laia Navarro  

Cicle "Documental + Debat" (Obra Social La Caixa)

Memoria negra, herida abierta

Documental. España 2006. 97 min. Presentación del director, Xavier Montanyà, en el ciclo d+d (documental + debate) organizado por La Caixa.

De Memoria negra  brota la sangre de la herida que el colonialismo español abrió en África y, todavía hoy, ignora su existencia. De hecho, en el caso de Guinea Ecuatorial, aquel arañazo que ciertos sectores españoles con intereses económicos produjeron al país,  aún continúa goteando. Xavier Montanyà, nos explica de manera didáctica y sin desprenderse de criterio ético, la cronología de los sucedido en aquellos episodios, que él mismo define como “una historia oscura que no interesa que se conozca”.

El film, rodado íntegramente en Camerún por los impedimentos legales para entrar en el país, arranca con una voz en off. Es la palabra de un lugareño que realiza un viaje de descenso en el río limítrofe entre ambos países, y  que hilvana los distintos episodios del relato. Sus intervenciones se irán intercalando durante el repaso cronológico de los episodios más representativos de la historia moderna del país, comenzando por la década de los 40. Estas “mini-fabulas” Constituyen el fragmento más poético, la pincelada más personal del director, que si no fuera por este recurso estético, se aproximaría en cierta medida al reporterismo.

En su primera alocución, el nativo pronunciará la frase que marcará el relato: “cuando vinieron los blancos, nosotros teníamos la tierra y ellos la Biblia. Nos enseñaron a rezar con los ojos cerrados. Cuando volvimos a abrirlos, ellos tenían la tierra y nosotros la Biblia”. A partir de ahí, las aguas descenderán su cauce y se llevarán con ellas el cayuco cargado de momentos históricos y fábulas del folclore local que el espectador irá descubriendo. El trabajo de Montanyà es una aportación al intento de recuperación de la memoria histórica de España, “donde todavía no se ha hecho nada importante sobre la época del colonialismo, lo contrario que en países como Francia, Inglaterra o Portugal”, recuerda. Azuza, pues, a los sectores más reticentes a la autocrítica, y presenta ante el público el eterno debate: ¿fue España un país colonizador y explotador de los recursos de Guinea Ecuatorial, o se limitó a civilizar aquel país?

La imposibilidad de filmar imágenes dentro de Guinea Ecuatorial, no impide que la reconstrucción narrativa tenga sentido. De hecho, como el propio director afirma, “son países hechos con escuadra y cartabón, pueblos que comparten lengua y estilos de vida” y por eso, decidieron rodar en Camerún. Las imágenes tomadas en el país vecino no difieren en demasía de las que hubieran podido tomar en Guínea. Sin embargo, es cierto que el relato queda huérfano respecto a ciertos protagonistas. Se reclama la presencia de personalidades como el presidente actual (Obiang Nguema), o empresarios con negocios en la zona, que no aparecen. El discurso se limita a las aportaciones obtenidas de las entrevistas a actores como exiliados políticos en Camerún, antiguos colonos residentes en España, militares de aquella época, asesores políticos de ex presidentes guineanos, políticos españoles (Manuel Fraga)…

El film constituye, además de una considerable reconstrucción histórica oral, una notable aportación audiovisual. Se sirve, principalmente, de tres fuentes: las imágenes extraídas del No-do, las obtenidas en archivos oficiales y las tomas casera y personales de los colonos. Así, consigue reestructurar la biografía reciente del país, reflejando las dos posturas en liza mediante el montaje y las declaraciones seleccionadas: el interés económico empresarial de algunos se contrapone con la finalidad social e instructora de otros. La mano del director no sólo destaca en esa selección discursiva. Montanyà decide estar presente en el relato utilizando una táctica que suma credibilidad al documental. Periodista de profesión, es consciente de la etiqueta que legítimamente se le cuelga al reporterismo: “el profesional cuenta con la posibilidad de manipular la historia desde su génesis, según sus intereses”. Por ello decide, en determinadas entrevistas, aparecer en escena, bien sea con su presencia física o lanzando las preguntas que responderá después el personaje en cuestión.

Actualmente, hay quien tira de esas dos visiones, y extrae diferentes lecturas de aquel episodio: para algunos, los españoles colaboraron en el avance sociocultural, construyendo iglesias, hospitales, educando a los nativos. Para otros, la tierra fue colonizada por el beneficio personal de algunos, se destruyó su estilo de vida, y ha dejado paso a un estado política y socialmente desolado. Montanyà, por su parte, resumió la situación actual admitiendo que hoy, Guinea Ecuatorial funciona como “una dictadura de oligarcas que se están forrando con dinero que en muchas ocasiones ni siquiera pisa tierra africana”.

Gracias a este tipo de trabajos, el español que no fue testigo de aquella etapa podrá cerrar la brecha abierta por sus paisanos. El primer paso es girar la mirada al sur, tomar consciencia de nuestro pasado, asumir los errores para no volver a cometerlos y que deje de sangrar la herida. 

Julen Orbegozo Terradillos 

¿Quien otorga el premio?

Festival FEC Cambrils – Reus

Cambrils, 29 de febrero, 2º día de concurso

De las relaciones (Jorge Acebo), Mariquita con perro (Vicente Villanueva), Las horas muertas (Haritz Zubillaga), El viaje de Saïd (Coke Rioboó), Elena quiere (Lino escalera), El último adiós (Carlos López).

 ¿Quién otorga el premio?Mezcla entre la comedia costumbrista y cine de autor fueron los ingredientes de la segunda jornada del festival FEC  

Sin entrar en sesudos debates y polémicas enrevesadas sobre la teoría de las caraceterísticas de la calidad del “buen” cine, me gustaría presentar mi propia clasificación, sumamente personal y subjetiva que dividiría la producción cinematográfica.

Por un lado ubicaría aquellas obras que tienen como finalidad divertir y/o entretener al público, sin otra pretensión que mirar directamente al espectador para que disfrute durante la proyección. En este caso, algunas carcajadas, algunos momentos puntuales de rumores o comentarios en la sala y una perpetúa sonrisa final, evalúan sin indulgencia la pieza proyectada. Al director le importa, le gusta saber, le apetece sondear al receptor durante la primera exhibición, y por eso suele compartir asiento con él. Aún mirando a la pantalla, agudiza el resto de sentidos para captar las reacciones del público y el ambiente en la sala.

Encasillados en otro grupo, habitualmente compartiendo cierto género y estilo, se asociarían otra serie de directores y películas, que en lugar de mirar fuera de la pantalla, realizan una retrospectiva dentro de la misma. Es decir, obvian la reacción del respetable, porque tampoco creen en él como sujetos que valoran apropiadamente su obra, y se dedican a generar un lenguaje que mira a su propio mundo. Parecen resentidos con el panorama actual del cine, y el nivel cultural del espectador medio. Por eso, simplemente pasan de ellos. Juntan en una película sus pensamientos más profundos, a menudo indescifrables, y a partir de ahí generan un lenguaje lleno de recursos técnicos y narrativos, así como literarios y simbólicos. Es una obra maestra que ellos mismos pretenden juzgar, pero siempre se sienten frustrados mirando de reojo la reacción del público que generalmente se siente atolondrado ante tanto alarde de inteligencia estética y técnica.

En ambos grupos existe evidentemente, una determinada utilización de la técnica audiovisual. En el primero de los casos suele estar al servicio de la propia narración, y las innovaciones se introducen con cuentagotas. En el segundo, la libertad creativa del autor llevan al film a desiertos de incomprensibilidad donde tan sólo el propio realizador sabe por dónde navega.

El principal problema, reside en la distinta concepción que unos y otros tienen sobre el espectáculo cinematográfico: ¿es arte o entretenimiento? Sin embargo, me atrevo a decir que quien consiga mezclar con inteligencia ambos conceptos tendrá éxito.

En la segunda sesión del festival de cortometrajes FEC Cambrils – Reus, hubo representantes de ambos grupos. Se proyectaron seis cortometrajes que dejaron patente la elevada calidad del sector español, por el simple hecho de que ninguna de las obras tiene nada que envidiar respecto a sus hermanos mayores, los largometrajes. Utilizaron actores profesionales, o sacaron jugo a los neófitos; se vieron guiones significativos con diálogos atractivos; se recurrió, quizás en exceso, a temáticas poco originales, pero que sin embargo continúan conectando con el público; se vislumbró una técnica depurada, como planos expresivos, o filtros que acentuaban el discurso de la narración.

            Sin duda alguna, olvidándonos de las anotaciones que pudo tomar el jurado, los directores que mayor conexión consiguieron con el público fueron Vicente Villanueva (Mariquita con perro) y Carlos López (El último adiós). En ambos casos, recurrieron al costumbrismo español para presentar dos historias. Quién más carcajadas arrancó fue López, que reprodujo con ironía el viaje de un par de familias típicamente españolas hacía el cementerio, con sendos ataúdes y con el objetivo de enterrar lo más rápidamente posible a dos familiares. La gracia estuvo en el tema y en la autocrítica a la sociedad española en clave de humor. Destacaba también por contar con caras famosas en el reparto, como por ejemplo la de Mariano Peña (Aída).

            Vicente Villanueva es, por su parte, un clásico del festival. Este valenciano afincado en Madrid se llevó el premio del 2007 con Eres, y tres años antes hizo doblete en Reus y Cambrils con su cortometraje eternamente premiado: El futuro está en el porno. Mariquita con perro continúa en esa línea de reflejar la sociedad española, quizás con gotas de un humor más ácido y un tono más dramático. Se refleja la vida de un mariquita exagerado y su estilo de vida. Villanueva pone todos los recursos narrativos al servicio de la historia, y quizás por eso su cine triunfa en todos los sentidos.

            Unas horas antes de pasar el citado cortometraje a concurso, tuvo la amabilidad de pre-estrenar ante un puñado de estudiantes su último trabajo: Heterosexuales y casados (2008). Sin duda alguna, Villanueva se supera en cuanto a interacción con el espectador. Mezclando planos estáticos, ligeros movimientos depurados y permitiéndose el recurso de combinar dos generos cinematográficos (documental y ficción), cuenta la historia de una pareja española de clase media-baja. Fue una pena que tras la proyección, la charla derivara en explicar la temática tan posmoderna de la historia: el auge del individualismo como pilar de la sociedad. Fuera de eso, tan sólo habló de dos cuestiones: la importancia de otorgar espacio a los propios actores para que entren en la piel de los personajes “y sin olvidarse del guión, hablen como ellos mismos se expresan en la realidad y no se sientan forzados”. Por otro lado, desmintió la máxima de que “todo está inventadoy contado”. “Son los personajes quienes crean las peripecias, y que sin darle excesiva importancia a la propia anécdota, son ellos mismos quienes la cuentan desde una nueva perspectiva”, afirmó.

            Se agradece también la autocrítica que él mismo realizo de sus trabajos. Por una parte, admitió que algunos detalles de los diálogos quedaron excesivamente exagerados y que, en referencia al personaje principal de Mariquita con perro, no consigue que el espectador se sienta identificado con él.

            El viaje de Saïd (Coke Rioboó) tampoco se queda corto en cuanto premios (Goya 2007, mejor corto de animación). Veremos si esta historia real y sentimental, animada de figuras y decorados de plastilina puede competir con el resto de obras. Gracias a la puesta en escena innovadora, el atractivo visual de los colores y el relato que genera compasión, el espectador acogió con proximidad la narración del viaje de un niño marroquí a tierras peninsulares.

            Atravesando el ecuador de la proyección, nos vamoas adentrando en obras más intimistas. Las horas muertas consigue, por ejemplo, su principal objetivo: crear desasosiego y angustia, con efectos especiales, suspense, y una trama que crece en interés a medida que avanza la cinta. La melodía minimalista envuelve a la perfección ese ambiente inhóspito de la historia, que sucede al borde de una carretera nacional y tiene como protagonistas a dos parejas que acampan su caravana en un terreno desértico al lado de la misma.

            Elena quiere, está protagonizada por dos caras conocidas en el mundo de la televisión, que encarnan en reencuentro de una pareja tras varios años de separación. Comparado con el resto, su estética fue la más poética, otorgando importancia a los primeros planos expresivos de los actores, la profundidad de campo en interiores y exteriores, y jugando con el silencio como recurso narrativo.

Por último, De las relaciones (Vicente Acebo), es un ejemplo extremo del cine más subjetivo y perfeccionista. Rodado con 3000 euros sobradamente rentabilizados gracias a numerosos premios (ejemplo, seleccionado en Cannes), recorre distintos lugares de Tarragona y sus alrededores. Tantos que el espectador exporádico puede perder el hilo argumental (si lo tuviere). En cuanto a la temática, este cuadro podría ser un amalgama de iconos que critican la sociedad posmodera actual (consumismo, inmigración, protitución, cinematografía...) pero el verdadero objetivo del autor queda desparramado entre tantos detalles de factura personal.

Julen Orbegozo

 

Adaptar la historia al nuevo público

KUTSIDAZU BIDEA, IXABEL

(Muéstrame el camino, Ixabel)

 

Presentación a cargo del director, Fernando Bernués, en el Festival Europeu de Courtmetratges de Reus.

 

Dirección: Fernando Bernués y Mireia Gabilondo

Guión: Nagore Aramburu, Fernando Bernués, Mireia Gabilondo, Joxean Sagastizabal y Carlos Zabala (Adaptación de la novela homónima  escrita por Joxean Sagastizabal).

Actores/as: Mikel Losada, Ainere Tolosa, Mireia Gabilondo, Iñake Irastorza, Maite Arrese, Joseba Apaolaza, Anjel Alkain.

Duración: 90 mins.

Año: 2005

 Un joven donostiarra (Juan Martín),  se traslada a un caserio durante el verano del 78, con el objetivo de perfeccionar el euskera. Junto a la familia de acogida, vivirá un proceso de adaptación al entorno rural y será testigo de  una serie de aventuras que marcarán su estancia. 

La historia se reescribe continuamente, y sin duda alguna, el cine ha sido testigo de los mayores acontecimientos de los último años. Sirve para fotografiar, analizar, reflexionar, criticar... los distintos episodios de nuestras vidas. Sin embargo, existen lugaren donde el séptimo arte no ha tenido el papel predominante como herramienta documental de la sociedad coyuntural.

En euskadi, la producción audiovisual se ha resentido como fuente recopilatoria de la memoria colectiva. Es cierto que los diversos formatos audiovisuales conservados (series de televisión, fotografias...) podrían dibujar perfectamente la realidad. Sin embargo, falta una obra que reemplace a los libros de historia oficiales, o a las novelas representativas que cada nacionalismo encumbra a lectura obligada en el instituto.

A Kutsidazu bidea, Ixabel se le podría atribuir esa función: vertebrar una visión histórica en formato adiovisual, acorde con los tiempos. Además, es el paradigma perfecto: fue leído por los escolares de los años noventa (novela escrita más vendida en los últimos 15 años con 75.000 ejemplares), y podría erigirse como documento de visionado indispensable para los alumnos del nuevo siglo.  No porque sea perfecta, sino porqué podría ser el único producto adaptado de estas características a todos los públicos, de todas las clases, aficiones y edades.

Es, además, un film con un guión sencillo y tramas inteligibles. Se retratan con humor temas como el folclore vasco; las costumbres de la sociedad del ámbito rural (contrapuestas a los estudiantes que provienen de la ciudad); se le otorga un papel predodimante al amor, que vertebra todo el film (todos los personajes, principales y secundarios, vivirán alguna situación romántica); y se da una pincelada sobre el conflicto vasco, en una recién estrenada agitada transición.

Fernando Bernués, en la presentación del film, calificó su obra como “comedia romñantico lingüística” y admitió que pese a basarse en la historia del pueblo vasco, cualquier “ciudadano se puede ver representado en la trama, ya que en ese retorno al ámbito rural, todo el mundo ha tenido una experiencia parecida”. Como principal ejemplo del choque entre el mundo rural y el urbano, se cita el aprendizaje de la lengua. Para los habitantes de las ciudades, el lenguaje utilizado en los pueblos era “una especie de swahili y no entendíamos nada”. El personaje principal vivirá una situación parecida.

Sin embargo, esa excesiva carga romántica a lo largo del film, llevará al espectador a no encontrar un hilo sólido para otorgar el protagonismo a una u otra historia. Además, se mezcla en un intento de diversificar el argumento, una sub-trama relacionada con el conflicto vasco: un activista de ETA (Euskadi Ta Askatasuna) se refugia en el momento por miedo a ser apresado por la Guardia Civil. En ese sentido, la película podría pecar de ingenuidad al intentar llenar vacíos argumentales.

El reparto es el mayor acierto de la película. Los dos actores principales (Mikel Losada y Ainere Tolosa) son dos neófitos en la gran pantalla que le otorgan frescura al relato. El papel cómico de ambos es interpretado con soltura, en una sucesión de gags. Detrás de ellos, todo un elenco de actores más reputados procedentes de la televisión. Desde Anjel Alkain, cómico clásico de la cadena pública, hasta un “fijo” en las series vascas, Joseba Apaolaza. Tampoco faltan a la cita actores con una dilatada trayectoria en el mundo del teatro, como Jose Ramón Soroiz o Maite Arrese.

En definitiva, Kutsidazu bidea, Ixabel supone una valiosa fuente alternativa que retrata correctamente el pasado de los vascos. Además, es una de las pocas obras rodada íntegramente en euskera, y para obtener fondos económicos tuvieron que idear una fórmula rentable: realizar otra versión, una miniserie compuesta por cuatro capítulos para la televisión. Resultado: 42.000 espectadores con 13 cópias, “todo un éxito” según el director.

 

Julen Orbegozo Terradillos

   

Lo que puedo ser y no fue

Título original: No country for old menAño: 2007Duración: 122 minPaís: EUADirector: Hermanos CoenReparto: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Woody Harrelson, Josh Brolyn, Stephen Root, Kelly McDonald, Garret Dillahunt. 

Sinopsis:

Todo empieza cuando Llewelyn Moss encuentra una camioneta rodeada por varios hombres muertos. En la parte trasera hay un cargamento de heroína y dos millones de dólares. Cuando Moss coge el dinero, provoca una reacción en cadena de violencia, que la ley, representada por el desilusionado sheriff Bell, no consigue detener mientras Moss intenta huir de sus perseguidores, especialmente de Bardem.

 

Salí de la sala del cine sin entender la película, leí el argumento, la sinopsis y seguí sin entenderla. Ya hace más de un mes que la vi, y aun hoy me pregunto de qué va. Pero empecemos por el principio, y es que los hermanos Coen ya las tienen estas cosas, son capaces de lo mejor y de lo peor, y en el caso de esta película han conseguido integrar los dos conceptos.

La primera hora del film te crea ansiedad, ganas de ver, de saber, de seguir… es una primera hora perfecta, trepidante, donde todo es bueno, la fotografía, la música, los actores principales y de reparto que van saliendo, pero sobretodo, lo mejor es ese duelo interpretativo descomunal entre Josh Brolin y Javier Bardem que echa chispas. Y en medio de este subidon de adrenalina de repente…plof!!

La película se hunde vertiginosamente en una espiral de sucesos sin sentido sin saber muy bien porque. La acción que hasta entonces iba muy bien acompasada se vuelve demasiado rápida, acelerada, donde se suceden una serie de cosas, acciones sin demasiada explicación. Es en este punto donde la película deja de tener sentido, las historias ya no interactuan y lo único que puedes hacer es esperar a que llegue el final y que al menos sea sorprendente, que te aclare algo, pero este tema ya lo tocaremos más adelante. Porque en todo este embrollo, ¿Qué nos aporta la figura de Tommy Lee Jones filosofando sin parar? Nada. Su papel es aburrido, cansino, tonto. Da la sensación de que sobra en la película, no pasaría nada si no estuviese  y solo se entiende su aparición para justificar el título del film, que por otra parte, ¿porque han elegido un título basado en un personaje que apenas aparece media hora en toda la película.?

Otra cosa que no me acaba de quedar clara es como un actor de reparto puede tener más papel que el supuesto actor principal, aunque llegado ha este punto es justo decir que si no fuese por Bardem lo poco que se aguanta la película la haría hundirse aún más, ya que el guión es bastante pobre y vacio, y esto se hace evidente conforme nos vamos adentrando en la historia.

Retomemos el final, ¿que nos querían contar los hermanos Coen con ese final?¿¿¿¿!!!!! Donde cada uno tira hacia un lado, donde no te aclara nada. Yo lo que espero de un final es que le acabe de dar el banderillazo a la película, que la remate, aunque dado como ha transcurrido la película no era para menos. La verdad, salí del cine bastante mosqueada, insatisfecha, con la sensación de que me habían tomado el pelo.

Conclusión: Una historia que no cierra y que no llega a conclusiones con unos personajes que parecían destinados a enfrentarse pero que al final nunca se encuentran y con algunas tramas que no interaccionan con las otras, dando la sensación de que dentro de la película hay otras historias que nada tiene que ver con la que se supone que es la historia principal.

En conclusión, una película que prometía mucho al principio pero que acabo sirviendo de somnífero.

Esther Huguet

 

Sweeney Todd. El Barbero Diabólico de la Calle Fleet.

Festín visual al servicio de un universo propio.

Las vidas de Sweeney Todd y Tim Burton estaban abocadas a cruzarse, al igual que en La Novia Cadáver Victor y Victoria debían casarse por conveniencia. Parecía inevitable que un personaje como el del barbero desterrado pasara a formar parte del universo Burtoniano. Un alma perdida, uno de esos pobres desamparados, un legítimo heredero de Eduardo Manostijeras, sólo que en esta ocasión, la navaja que completa el brazo del barbero (una de las frases y momentos con más fuerza de la película) sirve para degollar y no para crear peluches al estilo de Jeff Koons.

La película narra la historia de Benjamin Barker (Depp), un barbero que es encarcelado durante 15 años en Australia debido a una falsa acusación del juez Turpin, quien solo se propone quedarse con su esposa y su hija bebé. Al regreso de su injusto cautiverio, Barker regresa buscando a su familia, pero descubre que su esposa se suicidó y que el juez Turpin tiene cautiva a su hija Johanna. Entonces, Benjamin Barker cambia su nombre por Sweeny Todd, regresa a su antigua barbería y comienza a tramar su venganza. Para ello, contará con la inestimable ayuda de Mrs. Lovett (Bonham-Carter), la solitaria dueña del local ubicado debajo de la barbería.

Ésta es una adaptación al cine del musical de Sondheim al más puro estilo Burton. El ambiente lúgubre nos recuerda a Sleepy Hollow, mientras que la elección del reparto vuelve a regalarnos las una vez más magníficas actuaciones de Johnny Depp y Elena Bonham-Carter. Tras prestar su voz en La Novia Cadáver, los dos actores fetiche del director estadounidense por fin comparten plano cuerpo a cuerpo, ofreciéndonos uno de los duelos interpretativos más interesantes del año. Cabe destacar el trabajo de Alan Rickman, el profesor Severus de la saga Harry Potter, encarnando al Juez Turpin. Un trío protagonista (creo que Rickman se gana el honor de subir al mismo podio que Depp y Bonham-Carter) lleno de secretos y deseos oscuros que logra transmitir más por lo que esconde que por lo que muestra. Y es que todos y cada uno de los personajes actúa egoístamente con el único objetivo de lograr resarcirse de aquello que los atormenta. Incluso el Signor Pirelli, encarnado por el cómico creador de Borat, Sacha Baron Cohen, es en un principio la válvula de escape a tanto tormento dando la nota discordante con un vestuario fosforescente entre tanto gris, pero que se quita la máscara para mostrarse como uno más de los personajes carcomidos por un pasado en el que Sweeney Todd todavía era Benjamin Barker. El único pero que tiene el guión en cuanto a pesonajes, es que Depp no puede lucirse todavía más, debido a que el arco de Todd se estanca al cegarse con la venganza y dejando de lado lo que le lleva a ella. El sentido estético y de espectáculo que fuerza Burton en la segunda mitad del film, deja en desventaja a Depp, quien no puede ahondar más en los sentimientos de odio de su personaje al tener que centrarse en dar sentido lúdico a su festival de sangre.

Por otra parte, la adaptación de un musical requiere tomar decisiones importantes en el planteamiento inicial. Parece ser que la idea de Burton ha sido la de respetar la obra original de Sondheim, y en ese sentido, el producto final sale bastante bien parado. El tener que meter la historia en una película de 120 minutos ha obligado a Burton a tener que recortar (el musical dura 3 horas), suprimiendo ciertos números musicales esenciales de la obra original como La balada de Sweeney Todd, que habría y cerraba la actuación. Sin embargo, el espectador que no haya presenciado el musical no se topará con una partitura musical renqueante, y es que las piezas seleccionadas redondean bien la historia, aunque tal vez se eche de menos alguna referencia más al pasado. En lo que no acierta la dirección de Burton es en dotar a las secuencias cantadas la fluidez cinematográfica necesaria. Más bien, cada una de las piezas tiene como objetivo llegar a un plano final más fotográfico que cinematográfico. El encuadre de Burton crea unas imágenes espléndidas (como la del barbero con su brazo completo, citado anteriormente) que sirven para una contemplación extasiante. Pero cortan y trastabillan la fluidez cinematográfica, tal y como hemos comentado anteriormente. Esto queda patente en la pieza musical más dinámica de la película, aquella en la que Sweeney Todd, tras haberse completado como tal al reencontrarse con sus navajas, sale a la calle a mostrarse, a presentarse ante el público. Como imagen final de Todd arrodillado apuntando hacia el cielo con sus brazos preparados para degollar, funciona, pero como hilo conductor de la historia, da la impresión de estar metida con calzador.

La última película del genial Burton sigue completando un universo propio lleno de personajes malditos pero a la vez hermosos y escenarios oscuros pero a la vez alucinantes, ofreciéndonos un espectáculo visual al nivel de Eduardo Manostijeras o Big Fish. Pena que la traslación de formato no haya posibilitado llegar al nivel cinematográfico usual en el director norteamericano.

Aitor Abaroa

Estreno de televisión: La señora (TVE)

La señora (TVE, Jueves 22:00)

Rancia y repetitiva con tufo a culebrón 

El único filón que Televisión Española cuenta en su nómina de prime-time continúa de vacaciones. Cuéntame se despidió hasta nueva orden tras 161 capítulos cosechando altas cotas de audiencia. Sin embargo, la serie comenzó a mostrar ciertos síntomas de cansancio durante las últimas secuelas. Los dirigentes de la televisión pública han decidido proteger el producto dejándolo en cuarentena, como es habitual cada cambio de temporada, y esperan con incertidumbre su vuelta a la pequeña pantalla. Mientras, el espectador ha sentido la soledad de un inocente huérfano cada jueves. Superdupla supuso uno de los estrenos más bochornosos de los últimos tiempos de la cadena. Apenas superó los dos millones de espectadores en prime-time y fue relegado al viernes (sólo duró dos programas), como indigno sucesor de la decana Cuéntame. La semana siguiente, la precampaña electoral se cruzó beneficiosamente en el declive de la pública, y el debate a cinco bandas entre los políticos del arco parlamentario consiguió mantener su autoestima (cosechó un 15% de audiencia).

Ésta semana ya no valía escaquearse. Los programadores echaron un vistazo al barracón donde se almacenan las cintas no estrenadas (quizás defenestradas). En este caso decidieron rescatar una serie titulada La señora, que rezumaba a auténtico culebrón al estilo clásico por los cuatro costados. La trama de la serie ilustra este argumento: una joven de familia acomodada se enamora de un muchacho humilde, los cuales se salvan mutuamente la vida y se juran amor eterno. Sin embargo, el padre de la adolescente, preocupado por el futuro de su hija, decide enviarla a un internado. A partir de ahí, la entrega repite toda una sarta de clichés costumbristas de cualquier culebrón.

 La historia sucede durante el reinado de Alfonso XIII, alrededor de los años veinte, y en una zona minera del norte de España. Bajo el arquetípico enredo amoroso, subyace el surgimiento del pensamiento socialista y la lucha de clases en la sociedad española. El contexto minero refleja la pugna entre los nuevos burgueses y la clase trabajadora que malvive en los agujeros mineros. No merece la pena destacar ningún aspecto de la factura técnica ni estética. La realización no otorga ningún detalle estético y el relato carece de excesivo ritmo. Algunas escenas llegan a aburrir al espectador, debido a sus tomas largas. En cuanto al reparto, la serie apuesta por actores reconocidos que ofrecen, sin embargo, caras no excesivamente explotadas en la pequeña pantalla. El espectador será capaz de identificar a un puñado de actores: Adriana Ugarte (“Mesa para cinco”, “Hospital Central”), Rodolfo Sancho (“MIR”, “Amar en tiempos revueltos”), Alberto Jiménez (“Los hombres de Paco”, “Compañeros”), entre otros.

En definitiva, La señora desprende un tufo rancio que difícilmente enganchará a los fieles de Cuéntame. Uno se acuerda del injusto fracaso de Vientos de agua, que superando cien veces en todos los aspectos a las dos series anteriores, suspendió el examen de la audiencia y tuvo que ser retirada. La de ayer fue una secuela burda de la obra dirigida por Juan José Campanella. Estrenar a finales de esta década este producto es una verdadera apuesta por parte de Televisión Española. Mejor dicho, en el contexto de relativa innovación y ligera evolución de la programación, es un auténtico suicidio atreverse a volver descaradamente al pasado. Más vale apostar por un producto que rompa en cualquier sentido con la tendencia actual y enganchar, aunque sea por pura sorpresa o freakysmo, a los impredecibles espectadores. Nunca se sabe. Desde que Ana Obregón lideró el prime-time ya nadie se atreve a hacer pronósticos.  

Julen Orbegozo Terradillos